日本设计艺术中的禅宗境界（下）
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残缺为美 由于经年饱受火山爆发、地震频繁、台风肆虐等自然灾害之苦，这种由于自然的地理环境而形成的忧患意识，使日本人的审美意识中存在着一种重瞬间、轻永恒的“物哀”理念。 他们认为现实中并不具备完美无缺的东西，即便有，也不能长久。而残缺之物，常常留有一个无限的空间，富有再创造的余地。太工整、太精密的器物，虽完美无缺却毫无灵性和生气；有缺憾的器物，虽然其状态欠佳，却有极为广阔的再造空间，蕴涵着蓄势待发的勃勃生机。因此，他们常透过落花败叶和残月，去想象花开时的景象和月圆时的良辰美景，使之有回味，有诗意。 陶艺作品也常利用器物的破损形态，让欣赏者去联想和补充这不完整的空间，同时体现出一种残缺之美，令人对残缺之物留下些许伤感。这残破的陶艺作品中，似乎蕴涵了物盛则衰、有生有灭这一禅宗理念。 日本的花道，讲究质朴、自然、精致的静态美。有些插花的陶器，大多是破裂的或烧塌了的花瓶，但如果插上一束充满生命力的花，就充满了生气和美感。同样，如果在自家的庭院中，放置一块天然去雕饰的石块，便会显示出主人不俗的品位。 轻圆融，喜残缺。日本人这种欣赏自然形成的残缺事物的习俗，与中国人追求的完美、圆满、永恒的精神完全不同。但当你细细品味这种不完整的、质朴的、天然去雕琢的美时，反倒会觉得其更接近人性，这也是符合禅宗所主张的“物体不完整的形态和有残缺的状态” 意念。 简素为美 日本的设计艺术自古以来便崇尚自然、朴实的风气。注重物体的简素之美，已成为日本设计艺术中一种传统的审美意识和精神构造。不论是日本神社的建筑，还是民宅的门窗栋梁，简朴到连油漆也不用刷。日本人认为木材是有生命的，它和人一样会呼吸，如果人为的涂上化工油漆，反而会影响其寿命，也破坏了物体的简素之美。 这些木结构的房屋建筑，全部保持原木的素色和原木清晰的纹理。这种朴素之美，使和式建筑展现出一种禅宗的简素精神。 日本有众多的寺院，多隐匿于深山老林里。寺院的路面很少见到用水泥、瓷砖和抛光大理石等工业材料来铺设，而多以素色的、细小的碎石铺就，碎石或黑色、或白色、或灰色，游人走在上面会发出轻微的沙沙的响声，更显现出山谷的幽静和寺院的空寂…… 日本的茶庭，其小巧精致，清雅简朴，色调整体统一。那空寂的枯山水和静穆袭人的松树，无不令人一唱三叹。而用于建造庭院的材料，几乎全是货真价实的天然之材，如蒿草、原木、竹子、藤、石板、细石等温润之材。 和式建筑的屋顶用芭茅茸草，呈人字形斜线，形成深屋檐。墙壁为泥土，竹片为墙裙……这些特殊形态和自然素材的运用，不仅构成了和式建筑的基本特色，还能适度调节气温和湿度，使人与物之间的关系更加和谐。随着岁月的流逝，风雨的侵蚀，它们自身会布满青苔、留下生活的痕迹，透射出朴素，内敛的气息。此种意象刚好反映出禅宗或茶道朴素的美学和谦虚的性格。 陶艺也多采取素烧或熏烧来完成，有的甚至只上一半的釉色，另一半保留泥胎的本色，有时连泥胎上的杂物也不剔除，呈现出一派天真、淡泊、潇洒而又雄浑的特色。素烧后的陶艺作品，呈现出的是泥土本色，那粗糙的质地，随意的形态，繁杂与简约的对比，无不体现出自然的本色之美。在纯自然和高简素的色调中，展现出一种朴素之美，这种精炼的视觉美感，不正是禅宗中纯净意象的体现吗？ 非对称之美 在日本人的审美意识中，有将形体稍加挪动的习尚。使物体处于一种不对称的状态中，这种非对称造型的组合，被视为日本艺术独有的特质。他们试图打破对称和圆满的程式化，表现出对非对称之美的迷恋。 他们认为，非对称的造型比对称的造型更具灵活性，更具随意性。在设计师的冥想中，这种非对称的造型其背后或许隐藏着更对称、更规整的形态，而呈现出一种特有的空间美感。 这种对非对称之美的执著，大到日本神社、庭院的设计，小到料理、花道、橱窗物品的摆放，都可发现这种非对称之美。日本的庭院设计，讲究顺其自然的地理形势，巧妙利用空间，因而很少见到那种完全对称和规则的结构设计。日本神社建筑的布局与中国的寺庙建筑正好相反，完全是非对称的设计。 在日本的设计艺术中，由于禅宗的渗透而愈发显出灵性和深幽，因为禅意的设计艺术，始终表现出一种超然物外的空寂。它以“象外之象，意外之意”描绘出一个极静的空灵意境。设计师只有内心与外物合一，才能体会到空寂的禅意，方能步入禅宗的即空即有、非空非有的境界。正如美学家宗白华先生所云，“禅，是动中的极静，也是静中的极动，彻寂而常照，照而常寂。动静不二，直探生命的本源”。 禅宗与设计艺术的结合往往令日本艺术家们心驰神往，它似乎已成为日本设计师表现自己文化心理结构和审美感受的最佳选择。在日本设计师的创作理念中，始终信奉简单的优于复杂的、幽静的优于喧闹的、轻巧的优于笨重的、稀少的优于繁杂的禅宗理念。 |
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